Il testo dello spettacolo “La ricotta” è frutto di una scrittura originale di Nicola Falocci, a partire da un’idea di sceneggiatura elaborata da Pasolini l’anno precedente alla realizzazione del film omonimo, integrata con alcuni materiali tagliati dalla versione originaria del film (recuperati attraverso gli atti del processo per vilipendio che costò 4 mesi di carcere a Pasolini ed altri documenti dell'epoca), nonché da alcune riflessioni personali dell’autore. Lo spettacolo è impostato in forma di monologo, in cui l’attore in scena interpreta i vari personaggi e le surreali situazioni vissute da Stracci e dagli altri componenti della troupe durante la lavorazione del “film nel film”. Il filo rosso dello spettacolo è quello della "fame" e della ricerca di cibo, colossale ed inaccettabile contraddizione delle società consumistiche contemporanee, in cui la povertà viene troppo spesso stigmatizzata e derisa, come accade a Stracci protagonista delle vicende raccontate nello spettacolo.

Clitennestra è un personaggio universale e contemporaneo, percorre il nostro presente, è vivo oggi come ieri. La tragedia greca si fa magma vitale e prende forma problematica e aperta nelle parole della Yourcenar che suggeriscono nuove suggestioni e nuovi percorsi anche tortuosi e sorprendenti: la vendetta? Certo! Ma anche l’amore irriducibile, disperato, ossessivo, e poi la fragilità, l’insicurezza, la solitudine. “Esiste un solo uomo al mondo: il resto, per ogni donna, non è che un errore o un malinconico surrogato”. Eppure quest’uomo Clitennestra uccide: per amore? Per vendetta? “Quell’uomo io lo ritroverò in qualche angolo del mio inferno”. La morte non basta a spegnere “un fuoco!”.Lo spettacolo vuole affondare le mani in questo terreno scivoloso. Non pretende di dare risposte ai perché. Si racconta con le parole ma anche con l’intensità dei corpi, attraverso immagini evocative, che sottolineano emozioni e rafforzano il filo narrativo, proiettate a tutto schermo dove i danzatori restituiscono suggestione e emozione supportati da musiche originali intense di grande contemporaneità.

Il testo nasce dalla necessità di andare oltre la notte per immaginare un tempo dedicato all’amore, per vivere la malattia come guarigione, la morte della madre come riavvicinamento di un figlio alla vita. Un atto d’amore dunque. “Mi piacerebbe mangiare un gelato al limone, disse mia madre. Le tre di notte e tutto chiuso. Un figlio torna a casa dopo tanto e lui che fa? Che fa? Disse mia madre. Va di notte a cercare un gelato fatto di limone, per sua madre”. Vi è in questa conversazione il bisogno di ogni uomo di superare i drammi le morti le contraddizioni, di cercare una fede, una collina che sia luogo di salvezza, dove credere, dove chiedere un’assoluzione.

La storia è un susseguirsi di ricordi, che risvegliano nel cuore del protagonista, Pietro, la verità nascosta. Migliaia di parole collocate nell’arco quotidiano di tre giorni, una via crucis, una madre che va spegnendosi perché rinasca il figlio, come a partorirlo due volte a questo mondo. Un attore, in scena, immobile su una sedia, ancorato, vincolato al racconto, inchiodato, costretto in quello spazio e in quel tempo a non distogliere il corpo da ciò che gli accade dentro, senza alcuna via di fuga. Quanto resta della notte è un urlo muto, quieto-inquieto, cosparso di lacrime e rimorso, sacrificio necessario, gesto estremo nel silenzio. È un appellarsi alla coscienza, all’ascolto degli altri per consegnarsi al perdono. È croce da portare, è fratello da cullare al centro del cuore, è madre da accompagnare all’ultimo gradino. Non vi è fuga, dunque, nè spazio per la finzione. L’immobilità è essa stessa confronto estremo con la vita che si muove, attraverso un parlare con altri che altri non sono che se stesso.

Bianca entra in scena a piccoli passi, Bianca canta, Bianca racconta..Racconta di Bianca bambina, che ascolta le storie della Mamma e della Nonna, storie come ‘Barbablu’ in cui una giovane donna diventa moglie di un misterioso, affascinante Signore dal lato oscuro..Racconta di Bianca ragazzina e della sua grande storia d’AMORE che inizia, come nelle fiabe, del giorno del PRIMO BACIO!…Racconta di Bianca Donna, Moglie, Madre.. degli anni che passano felici nella sua casa/fortezza.. fino al giorno del primo schiaffo…Sola in scena, l’autrice-interprete Antonella Caldarella presenta una storia di amore che diventa possesso, violenza ed infine omicidio. Le continue variazioni di atmosfera, le evocazioni tragi-comiche delle figure della Madre e della Nonna, la graduale discesa negli inferi della violenza domestica (giustificata quasi fino alla fine dalla stessa vittima) ed infine la sorpresa finale sulla vera natura di ‘Bianca’ vengono accompagnate da una colonna sonora originale suonata dal vivo, garantendo un’esperienza teatrale di sicuro impatto emotivo, capace di stimolare una profonda riflessione sul cosidetto ‘Femminicidio’.

Ispirato al romanzo incompiuto “Il Castello” di F. Kafka, per celebrare i cento anni dalla morte dello scrittore praghese (1924/2024). In una gelida notte K. – nominato dal Conte del castello agrimensore – giunge nella locanda di uno strano villaggio, cercando ospitalità. La certezza di K. vacilla di fronte a una serie di incomprensioni, alimentate dai grotteschi abitanti del villaggio, che sembrano dimostrare l’inesistenza della richiesta di impiego, perdutasi nelle intricate trame di una burocrazia farraginosa.

Esiste, tuttavia, una lettera firmata da un certo Klamm…

Quale sarà il segreto che nascondono gli abitanti del villaggio? Perché vogliono dissuadere K. dal raggiungere il Castello, organizzando

inquietanti “teatrini” e improbabili macchinazioni? Nell’adattamento teatrale, dal celebre romanzo “Il Castello” di Kafka, curato da Massimo Roberto Beato, la ricerca del protagonista diventa metafora dell’esistenza umana e la regia ne sottolinea il carattere straniante e metateatrale, utilizzando musiche originali, costumi particolari e marionette.

“Tu computer” è un atto poetico elettronico con Claudia Fofi, voce recitante e autrice dei testi e delle canzoni, musica elettronica originale di Angelo Benedetti e video di Luca Franceschini. Una tessitura di parole e suoni che propone, nella forma del dialogo con il computer, qui alter ego della voce recitante, una chiave di lettura possibile sul grande tema dell’intelligenza artificiale, questione attuale dalle infinite diramazioni filosofiche, etiche, sociali, politiche, economiche, ecologiche, scientifiche, poetiche. Sul profondo disorientamento ironico e malinconico dei testi di Claudia Fofi si muove come co-protagonista la musica di Angelo Benedetti, composta a partire da rielaborazioni della stessa voce dell’autrice. La setssa si è avvalsa di diversi contributi, nella stesura del testo, dalle riflessioni di Laurie Anderson sull’utilità dell’AI nell’arte ai primi esperimenti poetici con il computer di Nanni Balestrini, dal progetto PoAItry al filosofo Byong-chul Han.

In un paese qualsiasi in una città qualsiasi una famiglia qualsiasi vive in una casa con vista mare. Un padre, una madre, un figlio, qualsiasi. Come voyeur siamo testimoni del vissuto personale di una famiglia che affronta il momento più importante della sua esistenza: si regolano i conti con il passato e la memoria, come in un vaso di Pandora libera i fantasmi che fino a quel momento erano rimasti nascosti. Come accade nelle migliori famiglie c’è sempre un elemento oscuro che con ipocrita omertà rimane indiscusso. Abbiamo analizzato le dinamiche psicologiche che pongono l’uomo nella condizione di elemento “sacrificante” nella posizione quindi auto indotta di “agnello sacrificale” e la posizione del suo torturatore, di aguzzino. Esiste una relazione tra i due elementi che fonda le proprie origini nell’antichità, dalla ritualità umana. Secondo vari teorici, tra cui il professore Jerome Skolnick, questo comportamento si radicalizza negli anni di attività e carriera, ove, avendo a che fare con elementi disagiati e deviati, forzatura della legge, casi di violenza e omicidio molto sensibili, la mente degli addetti all’ordine subisce una regressione assumendo posizioni di carattere autoritario e repressivo giustificate come unico mezzo di mantenimento della legge. Perché la violenza rituale – o la rievocazione rituale della violenza – ristora, guarisce, purifica, fa capire il senso profondo delle cose e addirittura mette in contatto con Dio? Dai riti cruenti della più remota antichità alle sacre rappresentazioni, dalla tragedia greca al moderno sport, dall’ascetismo alla psicoanalisi, l’uomo ha sempre intuito e ricercato il potenziale trasformativo-terapeutico insito nell’accostamento rituale di vita e morte, innocenza e brutalità, onnipotenza e impotenza, non senza stravolgerlo, spesso, in forme strumentali e perverse. Questo spettacolo può muoversi senza enormi problemi produttivi, perché una piccola compagnia a questo deve pensare, muovere uno spettacolo in più spazi possibili, teatrali e non, con la grande capacità di adattarsi sopratutto negli spazi non convenzionali, non solo per l’interessante operazione che comporta questo, avvicinando il teatro al pubblico e non viceversa.

Questo spettacolo racconta la storia di una donna poeta che, attraverso la scrittura, elabora i suoi traumi infantili trasformandoli in una personale visione del mondo, dominata dall’amore e dalla fantasia. La protagonista, Elsa, sviluppa una grande bontà d’animo, un amore per i bambini, gli animali e la natura, e una determinazione a diventare una brava scrittrice. La sua vita è un intreccio di successi, dolori, e incontri con figure celebri, come Alberto Moravia, Pier Paolo Pasolini, e Luchino Visconti, che la accompagnano nel suo percorso. 

Fare uno spettacolo, mettere in scena un racconto, un libro, ma anche un testo scritto per le scene è sempre tradire. Tradire nel suo significato etimologico dal latino tradére, dare oltre, al di là…Mi piace pensare che in teatro, tutto, vada oltre, al di là, che prenda significati altri che spesso l’autore, l’autrice in questo caso, non aveva pensato. In teatro la parola si fa carne e azione. Prende forma, si muove. Diviene esperienza per l’attore, per l’attrice in questo caso, esperienza viva per lo spettatore quando l’incontro tra le parti è sincero, è dialogo emotivo ed intellettuale. Lo spettatore nell’apparente passività è, se la magia avviene, parte vibrante del dialogo. In questo senso, prendendo in mano questo racconto, ho avuto la netta percezione di un possibile tradimento positivo. Mi sono divertita nel leggerlo, anche qui nel senso latino di andare altrove, divergere, l’ho visto mentre lo leggevo ed il personaggio è diventato nella mia visione persona, attrice: Federica Bracarda. Federica è quel tipo di attrice che non sa mentire in scena, sa fingere (nel senso poetico di creare) ma non mente: è. Ciò che sente e pensa è chiaro limpido senza sotterfugi, si lascia guidare senza passività, entra in ciò che fa senza mostrare, vive in scena con naturalezza ed intelligenza. Questo racconto dalle sfumature amare ed ironiche, al tempo stesso, sembra cucito addosso a lei, come un vestito su misura. La bella musica originale di Carlo Filippo Buonaurio gioca su un tema unico e si fa quasi
colonna sonora trasformandosi e tingendosi del momento emotivo che il personaggio sta vivendo di volta in volta.
La parola veloce e raffinata di Antonella Giacon, si inerpica, nella mia visione scenica, in piccole acrobazie del recitare, sia verbale che fisico, in un ambiente perturbante e sottilmente insinuante. Non è che per caso siamo tutti un po’ razzisti? un po’ paurosi rispetto alla diversità? e la nostra apparente disponibilità non è che sia il nascondere una diffidenza meschina, viscida e calcolatrice?

Il testo nasce dalla necessità di andare oltre la notte per immaginare un tempo dedicato all’amore, per vivere la malattia come guarigione, la morte della madre come riavvicinamento di un figlio alla vita. Un atto d’amore dunque. “Mi piacerebbe mangiare un gelato al limone, disse mia madre. Le tre di notte e tutto chiuso. Un figlio torna a casa dopo tanto e lui che fa? Che fa? Disse mia madre. Va di notte a cercare un gelato fatto di limone, per sua madre”. Vi è in questa conversazione il bisogno di ogni uomo di superare i drammi le morti le contraddizioni, di cercare una fede, una collina che sia luogo di salvezza, dove credere, dove chiedere un’assoluzione.

La storia è un susseguirsi di ricordi, che risvegliano nel cuore del protagonista, Pietro, la verità nascosta. Migliaia di parole collocate nell’arco quotidiano di tre giorni, una via crucis, una madre che va spegnendosi perché rinasca il figlio, come a partorirlo due volte a questo mondo. Un attore, in scena, immobile su una sedia, ancorato, vincolato al racconto, inchiodato, costretto in quello spazio e in quel tempo a non distogliere il corpo da ciò che gli accade dentro, senza alcuna via di fuga. Quanto resta della notte è un urlo muto, quieto-inquieto, cosparso di lacrime e rimorso, sacrificio necessario, gesto estremo nel silenzio. È un appellarsi alla coscienza, all’ascolto degli altri per consegnarsi al perdono. È croce da portare, è fratello da cullare al centro del cuore, è madre da accompagnare all’ultimo gradino. Non vi è fuga, dunque, nè spazio per la finzione. L’immobilità è essa stessa confronto estremo con la vita che si muove, attraverso un parlare con altri che altri non sono che se stesso.

Bianca entra in scena a piccoli passi, Bianca canta, Bianca racconta..Racconta di Bianca bambina, che ascolta le storie della Mamma e della Nonna, storie come ‘Barbablu’ in cui una giovane donna diventa moglie di un misterioso, affascinante Signore dal lato oscuro..Racconta di Bianca ragazzina e della sua grande storia d’AMORE che inizia, come nelle fiabe, del giorno del PRIMO BACIO!…Racconta di Bianca Donna, Moglie, Madre.. degli anni che passano felici nella sua casa/fortezza.. fino al giorno del primo schiaffo…Sola in scena, l’autrice-interprete Antonella Caldarella presenta una storia di amore che diventa possesso, violenza ed infine omicidio. Le continue variazioni di atmosfera, le evocazioni tragi-comiche delle figure della Madre e della Nonna, la graduale discesa negli inferi della violenza domestica (giustificata quasi fino alla fine dalla stessa vittima) ed infine la sorpresa finale sulla vera natura di ‘Bianca’ vengono accompagnate da una colonna sonora originale suonata dal vivo, garantendo un’esperienza teatrale di sicuro impatto emotivo, capace di stimolare una profonda riflessione sul cosidetto ‘Femminicidio’.

Ispirato al romanzo incompiuto “Il Castello” di F. Kafka, per celebrare i cento anni dalla morte dello scrittore praghese (1924/2024). In una gelida notte K. – nominato dal Conte del castello agrimensore – giunge nella locanda di uno strano villaggio, cercando ospitalità. La certezza di K. vacilla di fronte a una serie di incomprensioni, alimentate dai grotteschi abitanti del villaggio, che sembrano dimostrare l’inesistenza della richiesta di impiego, perdutasi nelle intricate trame di una burocrazia farraginosa.

Esiste, tuttavia, una lettera firmata da un certo Klamm…

Quale sarà il segreto che nascondono gli abitanti del villaggio? Perché vogliono dissuadere K. dal raggiungere il Castello, organizzando

inquietanti “teatrini” e improbabili macchinazioni? Nell’adattamento teatrale, dal celebre romanzo “Il Castello” di Kafka, curato da Massimo Roberto Beato, la ricerca del protagonista diventa metafora dell’esistenza umana e la regia ne sottolinea il carattere straniante e metateatrale, utilizzando musiche originali, costumi particolari e marionette.

Il Racconto da cui abbiamo tratto ispirazione è “La Morta Innamorata” conosciuto anche come Clarimonde, è un racconto fantastico di Théophile Gautier pubblicato nel 1863 sulla Chronique de Paris, rivista fondata da Balzac, il racconto si ispira alla narrativa fantastica di Hoffman ed è considerato uno dei primi esempi di narrativa d’autore sul tema dei vampiri.

Da qualche anno, Settimo Cielo produce con successo un podcast di short stories tratte dalla letteratura gotica di tutti i tempi con oltre 10.000 followers e una media di 22.000 ascolti al mese. “Racconti del Terrore” è diventato infatti un appuntamento seguito dagli appassionati del genere di tutto il mondo con pubblicazione bimestrale.

Questa versione live, che gioca con la radiofonia, vuole sperimentare il rapporto diretto tra interprete e pubblico, grazie anche alle nuove tecnologie multimediali. Dal podcast di successo “Racconti del Terrore” ideato da Maurizio Repetto per Settimo Cielo, nasce un’esperienza in cuffie silent-disco da brividi. Un viaggio tra radiofonia e teatro immersivo acustico nel mondo della letteratura dell’orrore romantica, attraverso una rielaborazione di La Morta Innamorata dello scrittore francese Théophile Gautier a cura di Gloria Sapio. Immerso nel buio e nel fumo lattiginoso di una nebbia da film della Hammer, il pubblico vivrà l’impossibile storia d’amore tra un giovane prete e un’antichissima vampira, dove il male e il bene si confondono e ciò che sembra luminoso nasconde tenebre più grandi di qualsiasi mostruosità. Il testo di partenza fornisce le coordinate tipiche del sublime romantico, della ribellione anticlericale del libertarismo francese e della morbosa fascinazione ottocentesca per l’occulto, il misterioso e l’inquietante. Un racconto che vive di tempeste, inquietudini e paesaggi diventati celebri grazie al cinema espressionista e alla corrente dell’horror britannico anni ‘50, rivive in una forma contemporanea attraverso un live-podcast caratterizzato da una solida costruzione sonora tipica dei radiodrammi: rumorismo, colonna sonora spooky, canti gregoriani, sound design cinematografico accompagnano le voci di Maurizio Repetto e Gloria Sapio, rievocando le atmosfere dark immortali di una storia che varca i confini del tempo.

In un paese qualsiasi in una città qualsiasi una famiglia qualsiasi vive in una casa con vista mare. Un padre, una madre, un figlio, qualsiasi. Come voyeur siamo testimoni del vissuto personale di una famiglia che affronta il momento più importante della sua esistenza: si regolano i conti con il passato e la memoria, come in un vaso di Pandora libera i fantasmi che fino a quel momento erano rimasti nascosti. Come accade nelle migliori famiglie c’è sempre un elemento oscuro che con ipocrita omertà rimane indiscusso. Abbiamo analizzato le dinamiche psicologiche che pongono l’uomo nella condizione di elemento “sacrificante” nella posizione quindi auto indotta di “agnello sacrificale” e la posizione del suo torturatore, di aguzzino. Esiste una relazione tra i due elementi che fonda le proprie origini nell’antichità, dalla ritualità umana. Secondo vari teorici, tra cui il professore Jerome Skolnick, questo comportamento si radicalizza negli anni di attività e carriera, ove, avendo a che fare con elementi disagiati e deviati, forzatura della legge, casi di violenza e omicidio molto sensibili, la mente degli addetti all’ordine subisce una regressione assumendo posizioni di carattere autoritario e repressivo giustificate come unico mezzo di mantenimento della legge. Perché la violenza rituale – o la rievocazione rituale della violenza – ristora, guarisce, purifica, fa capire il senso profondo delle cose e addirittura mette in contatto con Dio? Dai riti cruenti della più remota antichità alle sacre rappresentazioni, dalla tragedia greca al moderno sport, dall’ascetismo alla psicoanalisi, l’uomo ha sempre intuito e ricercato il potenziale trasformativo-terapeutico insito nell’accostamento rituale di vita e morte, innocenza e brutalità, onnipotenza e impotenza, non senza stravolgerlo, spesso, in forme strumentali e perverse. Questo spettacolo può muoversi senza enormi problemi produttivi, perché una piccola compagnia a questo deve pensare, muovere uno spettacolo in più spazi possibili, teatrali e non, con la grande capacità di adattarsi sopratutto negli spazi non convenzionali, non solo per l’interessante operazione che comporta questo, avvicinando il teatro al pubblico e non viceversa.

“Una stilla di sangue reale cadde dal polso destro della Bella andando a tingere di blu la veste di seta bianca che le cingeva i fianchi sottili. Per uno stano prodigio, si dette vita a un susseguirsi di linee e superfici curvilinee che, come in un caleidoscopio, mutavano forma a ogni battito di ciglia, sopra il tessuto sbigottito.”

Uno spettacolo di corpo in musica, un unico “atto impuro” che si avvale di figure grottesche, iper-normali, truci, tra comicità, tenerezza e follia. Uno spettacolo di corpo in musica dove i personaggi, le caricature, le immagini evocative composte dal corpo e da una scenografia povera, diventano “creature” che scivolano continuamente in musica di scena, brevi canzoni, accenti che si negano a una prosa asettica, mentre l’attenzione agli spazi, ai ritmi, ai gesti si fondano su principi di danza più ancora che su quelli del teatro di tradizione. È anche un viaggio accelerato e sovraeccitato nella storia dell’uomo vista dallo spioncino della tentazione, con l’incontro finale che gli permette di redimersi dal passato.

La visione dello spettacolo è consigliata ad un pubblico di persone adulte

Un giorno vicino a Natale, due cantastorie di due paesi diversi si trovano nel medesimo luogo a raccontare una storia natalizia; la cantastorie del sud ha pronto una storia sulla Nonna Befana, il cantastorie del nord una sul Babbo Natale. Inizia un litigio clownesco ad esclusione di colpi affinché i due non si rendono conto che, nonostante le differenze di provenienza e cultura, forse sarebbe meglio collaborare, raccontando insieme un’unica storia natalizia per i bambini presenti. Uno spettacolo ricco di comicità e di gags che viene replicato ogni anno per natale dal 1997 con grandissimo successo.

Ci sono i calzini gialli, come il sole della mattina e il girasole nella pianura.
I calzini azzurri, come la pioggia che cade sull’ombrello e l’acqua del ruscello.
Quelli verdi, come il coccodrillo e il drago.
E poi ci sono i calzini blu, come il mare agitato, il cielo stellato e l’inizio della notte.
E ci sono quelli rossi, come il volto di un bimbo innamorato.

Nel percorso di vita dei calzini, nati dal lavoro a maglia o usciti da una fabbrica, poi depositati in un magazzino e da lì in partenza verso le case della gente, sembra che tutto vada bene, fino a quando, una volta rinchiusi nelle loro scatole, non iniziano a bisticciare. La causa è la sgradita presenza di alcuni calzini spaiati e il litigio si trasforma ben presto in una vera e propria battaglia. La vicenda, metafora del tempo attuale, invita a riflettere sulle regole della convivenza civile, cercando di superare stereotipi e convenzioni.

I giovani spettatori si accomodano a terra accanto allo spazio scenico. Una danzatrice – attrice inizia il buffo lavaggio di alcune paia di calzini. Ha così inizio, fra oggetti coloratissimi e in continua trasformazione, un gioco danzato e a volte interattivo, costruito su musiche di grande suggestione, dove decine di calzini vivranno, si ameranno, litigheranno e persino impareranno a volare.

La trilogia dedicata a bambini e famiglie si completa con questo piccolo capolavoro di essenzialità e di poesia, dove il gioco teatrale spazia dai saporiti ritratti dei personaggi alla evocazione di atmosfere, di situazioni e di luoghi diversi della nostra vita reale o immaginaria: una classe scolare, un autobus, un cortile, ma anche la savana africana, un ghiacciaio, una clinica, un interno di casa “normale”, un’astronave… Evocazioni molto simpatiche e colorate, che fanno scattare l’immaginazione e coinvolgono in avventure avvincenti e curiose. Il tema dei piccoli eroi è un inno alla capacità dei bambini di essere più umani e coerenti degli adulti, di saper crescere a partire dalle proprie esperienze e visioni, di essere in grado anche da soli di elaborare le difficoltà, o anche gli sbagli, ma soprattutto le loro qualità verso una vita libera e consapevole.

I tre eroi di questa antologia cavalcano l’esperienza dell’altro da sé, la generosità e il coraggio, in storie che sono di fatto delle favole, poiché narrano vicende impossibili, magiche, o miracolose. Eppure, grazie alla capacità degli attori le storie sembrano vere, comuni, ed entrano così nel cerchio del senso di realtà del pubblico, come il teatro dovrebbe sempre fare, aprendo delle porte utili a buone scelte di vita e di convivenza.

La favola di Andersen è una meravigliosa metafora per aprire un dialogo con i bambini sulla vanità, e di quanto il potere e la paura riescano a piegare la volontà e a far credere l’inverosimile. Ma c’è di più. Con l’avvento dei nuovi media abbiamo la possibilità continua di realizzare maschere di noi stessi destinate ad essere messe in mostra, immagini di noi migliorate e moltiplicate all’infinito: da questa premessa ci siamo immaginati una riscrittura in chiave moderna della favola danese dove il volto dei cortigiani riflette le fattezze dell’Imperatore, come un’unica identità smembrata in tante parti, estensioni di se’ controllate tramite un IPad. La figura dei due tessitori invece, artisti a tutto tondo, truffatori per eccellenza, introduce una riflessione semiseria sull’arte moderna, in grado di incrinare le certezze del potere e prenderlo in giro. Il vestito sarà cucito, e l’imperatore, nudo come un pulcino, sfilerà per le strade della città, tra gli applausi dei presenti. A raccontarci la storia è Violetta, la bambina che, ormai diventata grande, fu l’unica agridare “Il re è nudo!”. Da anni vive ormai chiusa in un bunker, braccata dalle guardie imperiali, sicura che niente sia cambiato, là fuori. Non sa ancora però che la Resistenza ha lavorato nell’ombra, e che i giorni della dittatura e della menzogna stanno per finire…

Giulio, timido, buffo, amatissimo coniglio compie ben 25 anni. Ha lunghe orecchie pelose è timido e molto generoso. Vive semplici e indimenticabili avventure insieme alla sua allegra compagnia di amici: TOMMASO, un topo allegro e pasticcione; CATERINA, l’oca abile cuoca; VALTER, la volpe dispettosa, LAURA la lumaca e molti altri.
Nella nuova produzione del Granteatrino si avvicina il compleanno di Giulio Coniglio, ma lui è così distratto che se ne è dimenticato. Per fortuna ci sono i suoi amici a pensarci!
Nato nel 1999 dalla geniale matita di Nicoletta Costa, Giulio Coniglio compie venticinque anni e si accinge, con l’impeto dell’indiscusso protagonista, verso nuove e ancor più colorate avventure in compagnia dei suoi amici di sempre. E’ stata proprio l’autrice Nicoletta Costa, che conosciamo da oltre vent’anni e con la quale abbiamo da tempo sviluppato una proficua collaborazione, a proporci un progetto su Giulio Coniglio.
Lo spettacolo con pupazzi e narratori è rivolto al pubblico dei piccolissimi: tanti bambini, nel corso del tempo, si sono immedesimati in Giulio Coniglio e nelle sue avventure, nel suo dolce e poetico stupore nei confronti delle bellezze della Natura. Giulio sa rappresentare alla perfezione i sentimenti e i desideri dei più piccoli creando una originale empatia con tutti i suoi giovanissimi lettori-spettatori.