Spettacolo sulla vita e lo studio dell’agronomo Nazareno Strampelli, che da un piccolo paese delle Marche approdò all’inizio del secolo scorso nella piana di Rieti, dove si dedicò, con la moglie Carlotta, alla creazione di una nuova tipologia di grano resistente alle intemperie e alle malattie. Uno spettacolo per tutto il pubblico, dedicato a questo grande studioso che molti anni prima della così detta “Rivoluzione Verde”, riuscì a creare dei grani nuovi e più forti, incrociando tra loro le diverse specie.
L’attrice Nathalie Mentha interpreta i vari personaggi della storia: Nazareno bambino e poi adulto; il contadino che gli insegna i segreti del grano; la moglie Carlotta che fu anche la sua fedele assistente.

Due uomini decidono di isolarsi per sempre dal mondo, come Hikkikomori condividono un unico luogo.  Nonostante la precarietà, nonostante la solitudine rimangono uniti, mentre le formiche invadono quello spazio coprendolo fino all’orlo, come un cesso per il quale acqua più non ce n’è.
Una wunderkammer dell’anima, vuota dove la consapevolezza sembra aver preso una deriva, la solitudine ha innescato un conflitto tra il singolo e l’altro, se stesso, il niente.
Brecht diceva: “Dipingendo la guerra, si evita la furia che terrorizza tutto, e ci si limita.” Prende come esempio Breughel in La folle Margherita, in cui rappresentando una domestica nella sua indigenza e nella sua limitatezza, trasferisce un senso del terrore più acuto, arrivando con maggior potenza alla coscienza e all’interiorità

L’espressione “to have the blue devil” allude ad uno stato mentale malinconico. Non si tratta di quella malinconia che provi quando porti a far ìdemolire l’auto con la quale hai preso la patente. Questa malinconia, affonda le radici nell’animo umano di coloro che hanno vissuto l’oppressione della schiavitù, abusati, soggiogati, sradicati dalla propria terra e dalle proprie famiglie. Tutto questo è contenuto e ha dato vita alla parola “blues” “Anch’io canto l’America, io sono il fratello più scuro, mi mandano a mangiare  in cucina quando viene gente, ma io rido, e mangio bene, e divento forte…” L.H. Questo spettacolo è uni viaggio nel “profondo Blues” dove musica e le parole di Langston Hughes si compenetrano e lo spettatore lasciandosi guidare può vagabondare languidamente fino alle radici lontane di questo straordinario genere musicale

Fare uno spettacolo, mettere in scena un racconto, un libro, ma anche un testo scritto per le scene è sempre tradire. Tradire nel suo significato etimologico dal latino tradére, dare oltre, al di là…Mi piace pensare che in teatro, tutto, vada oltre, al di là, che prenda significati altri che spesso l’autore, l’autrice in questo caso, non aveva pensato. In teatro la parola si fa carne e azione. Prende forma, si muove. Diviene esperienza per l’attore, per l’attrice in questo caso, esperienza viva per lo spettatore quando l’incontro tra le parti è sincero, è dialogo emotivo ed intellettuale. Lo spettatore nell’apparente passività è, se la magia avviene, parte vibrante del dialogo. In questo senso, prendendo in mano questo racconto, ho avuto la netta percezione di un possibile tradimento positivo. Mi sono divertita nel leggerlo, anche qui nel senso latino di andare altrove, divergere, l’ho visto mentre lo leggevo ed il personaggio è diventato nella mia visione persona, attrice: Federica Bracarda. Federica è quel tipo di attrice che non sa mentire in scena, sa fingere (nel senso poetico di creare) ma non mente: è. Ciò che sente e pensa è chiaro limpido senza sotterfugi, si lascia guidare senza passività, entra in ciò che fa senza mostrare, vive in scena con naturalezza ed intelligenza. Questo racconto dalle sfumature amare ed ironiche, al tempo stesso, sembra cucito addosso a lei, come un vestito su misura. La bella musica originale di Carlo Filippo Buonaurio gioca su un tema unico e si fa quasi
colonna sonora trasformandosi e tingendosi del momento emotivo che il personaggio sta vivendo di volta in volta.
La parola veloce e raffinata di Antonella Giacon, si inerpica, nella mia visione scenica, in piccole acrobazie del recitare, sia verbale che fisico, in un ambiente perturbante e sottilmente insinuante. Non è che per caso siamo tutti un po’ razzisti? un po’ paurosi rispetto alla diversità? e la nostra apparente disponibilità non è che sia il nascondere una diffidenza meschina, viscida e calcolatrice?

“Tu computer” è un atto poetico elettronico con Claudia Fofi, voce recitante e autrice dei testi e delle canzoni, musica elettronica originale di Angelo Benedetti e video di Luca Franceschini. Una tessitura di parole e suoni che propone, nella forma del dialogo con il computer, qui alter ego della voce recitante, una chiave di lettura possibile sul grande tema dell’intelligenza artificiale, questione attuale dalle infinite diramazioni filosofiche, etiche, sociali, politiche, economiche, ecologiche, scientifiche, poetiche. Sul profondo disorientamento ironico e malinconico dei testi di Claudia Fofi si muove come co-protagonista la musica di Angelo Benedetti, composta a partire da rielaborazioni della stessa voce dell’autrice. La setssa si è avvalsa di diversi contributi, nella stesura del testo, dalle riflessioni di Laurie Anderson sull’utilità dell’AI nell’arte ai primi esperimenti poetici con il computer di Nanni Balestrini, dal progetto PoAItry al filosofo Byong-chul Han.

Il testo dello spettacolo “La ricotta” è frutto di una scrittura originale di Nicola Falocci, a partire da un’idea di sceneggiatura elaborata da Pasolini l’anno precedente alla realizzazione del film omonimo, integrata con alcuni materiali tagliati dalla versione originaria del film (recuperati attraverso gli atti del processo per vilipendio che costò 4 mesi di carcere a Pasolini ed altri documenti dell'epoca), nonché da alcune riflessioni personali dell’autore. Lo spettacolo è impostato in forma di monologo, in cui l’attore in scena interpreta i vari personaggi e le surreali situazioni vissute da Stracci e dagli altri componenti della troupe durante la lavorazione del “film nel film”. Il filo rosso dello spettacolo è quello della "fame" e della ricerca di cibo, colossale ed inaccettabile contraddizione delle società consumistiche contemporanee, in cui la povertà viene troppo spesso stigmatizzata e derisa, come accade a Stracci protagonista delle vicende raccontate nello spettacolo.

“Voglio divertirmi a correre” comincia come una fiaba. Si tratta della storia di Marco cavallo, un grande cavallo azzurro di cartapesta costruito nel 1972 nel corso di un laboratorio artistico, dagli internati del manicomio di San Giovanni in Trieste, al tempo diretto da Franco Basaglia. Si scopre subito che non si tratta, purtroppo, di una fiaba bensì di una commovente storia vera, raccontata direttamente attraverso le voci dei protagonisti: Bruno, Regina, Tinta, Neva e tanti altri. La storia nasce da questo evento il quale fu essenziale per l’ottenimento della legge Basaglia, nel 1978. La lotta per arrivare alla legge si interseca con le lotte di rivendicazione sociale dell’epoca e con le battaglie condotte dagli altri ospedali psichiatrici. In questo modo questa storia diventa non solo la storia di una lotta ma anche di tutte le altre lotte. Nella narrazione sono infatti inseriti i canti popolari che volavano oltre le mura del manicomio, delle fabbriche e si inserivano nello spirito del tempo, attraverso un lavoro di ricerca e selezione dei testi più significativi condotto dalle interpreti. Dal punto di vista musicale la narrazione ha aggiunto anche le poesie prodotte dai degenti dell’ospedale psichiatrico e depositate all’interno della pancia del cavallo, opportunamente musicate, come simbolo di tutte le loro aspettative, sogni, desideri. Le loro parole e creazioni mantengono purezza, istintività… e trovare la melodia adatta a cui accostarle è stato facile in quanto già avevano in sè la loro musica. Cantavano già da sole, sono state solo spinte e sostenute attraverso voci e strumenti. Il destriero azzurro di cartapesta diventa quindi il più autentico simbolo dei matti e della loro battaglia per la libertà.

“Mamma sei morbida, calda e profumata, mamma…

Voglio stare sempre abbracciata a te…” In uno spazio bianco, spoglio, con pochi oggetti essenziali ed evocativi, alcune luci proiettano immense ombre sulle pareti candide e una persona, sola, racconta il dramma che vive in se stessa, nelle sue prigioni fisiche e mentali. “Leggera” descrive la fame, non solo quella materiale ma anche la fame di affetti, di comunicazione, di sensazioni. Un bisogno che la protagonista tenta di compensare in un perpetuo aggrovigliarsi nel proprio labirinto fatto di piccoli gesti ossessivo-compulsivi, nel controllo di ogni particolare, nellaricerca costante della perfezione. Lo spettacolo testimonia un momento della vita di una giovane donna, attraverso una narrazione indiretta, composta da frasi sconnesse e ripetitive, da immagini potenti e da una intensa carica emotiva.

Trasparente è il mio libro autobiografico di brevi pensieri e illustrazioni sull’anoressia, curato graficamente da Matteo Fofi e pubblicato nel giugno 2022 con Foto Libri, una piccola casa editrice di Gubbio (Pg). Trasparente nasce dal profondo desiderio di dire alle persone che dall’anoressia si può guarire. Ho scelto le parole con estrema cura e le immagini sono nate da esperienze di vita concretamente vissute attraverso il corpo e l’arte. Ho scelto di non parlare di grasso, magro, ossa, cibo, ecc… perché credo fortemente che si parla troppo e male di disturbi alimentari in termini di magrezza o di grasso, quando non è solo una questione di peso e di cibo, ma è una questione di anima, di malattia della propria anima. Sono sicura che l’arte sia lo strumento migliore per parlarne, che la poesia e il disegno possano accompagnare le persone di tutte le età con delicatezza in questo racconto di buio e di luce. Per presentare questo progetto ho creato una performance poetica insieme alla musicista Emma Grace e alla poeta Maria Stocchi e con la partecipazione fondamentale della biologa nutrizionista Sara Boldreghini specializzata nei disturbi del comportamento alimentare. Dal libro ho sviluppato un percorso di arteterapia, partendo dalle mie illustrazioni ho realizzato dei laboratori dove le immagini e gli strumenti dell’arte possono aiutarci ad esprimere pensieri ed emozioni che altrimenti fanno fatica a venir fuori. Trasparente è un salto nella vita e il sogno che porto nel cuore è quello di poter trasmettere un messaggio di forza e speranza, perché da un disturbo alimentare si può guarire e perché anche dal dolore più profondo può nascere un fiore.La ferita a volte si può trasformare in un dono d’amore.

Fare uno spettacolo, mettere in scena un racconto, un libro, ma anche un testo scritto per le scene è sempre tradire. Tradire nel suo significato etimologico dal latino tradére, dare oltre, al di là…Mi piace pensare che in teatro, tutto, vada oltre, al di là, che prenda significati altri che spesso l’autore, l’autrice in questo caso, non aveva pensato. In teatro la parola si fa carne e azione. Prende forma, si muove. Diviene esperienza per l’attore, per l’attrice in questo caso, esperienza viva per lo spettatore quando l’incontro tra le parti è sincero, è dialogo emotivo ed intellettuale. Lo spettatore nell’apparente passività è, se la magia avviene, parte vibrante del dialogo. In questo senso, prendendo in mano questo racconto, ho avuto la netta percezione di un possibile tradimento positivo. Mi sono divertita nel leggerlo, anche qui nel senso latino di andare altrove, divergere, l’ho visto mentre lo leggevo ed il personaggio è diventato nella mia visione persona, attrice: Federica Bracarda. Federica è quel tipo di attrice che non sa mentire in scena, sa fingere (nel senso poetico di creare) ma non mente: è. Ciò che sente e pensa è chiaro limpido senza sotterfugi, si lascia guidare senza passività, entra in ciò che fa senza mostrare, vive in scena con naturalezza ed intelligenza. Questo racconto dalle sfumature amare ed ironiche, al tempo stesso, sembra cucito addosso a lei, come un vestito su misura. La bella musica originale di Carlo Filippo Buonaurio gioca su un tema unico e si fa quasi
colonna sonora trasformandosi e tingendosi del momento emotivo che il personaggio sta vivendo di volta in volta.
La parola veloce e raffinata di Antonella Giacon, si inerpica, nella mia visione scenica, in piccole acrobazie del recitare, sia verbale che fisico, in un ambiente perturbante e sottilmente insinuante. Non è che per caso siamo tutti un po’ razzisti? un po’ paurosi rispetto alla diversità? e la nostra apparente disponibilità non è che sia il nascondere una diffidenza meschina, viscida e calcolatrice?

Cassandra, la più bella tra le figlie di Priamo, amata da Apollo e, per non avere corrisposto al suo amore, dotata d’inascoltata capacità profetica. Forse la meno celebrata e più sfuggente immagine del grande affresco della Troia all’epilogo, che tuttavia -nel tramonto di un ciclo storico- s’impone sul suo popolo e sugli eventi per lucida capacità d’interpretare i fatti, e valutare l’esatta entità delle forze contrapposte. Essa si sottrae alla massa dolente della schiera al femminile che popola lo scenario offerto dall’ampia famiglia di Priamo; si afferma con inconsueta personalità in un ruolo che, a ben vedere, è innanzi tutto politico. Cassandra osserva lucidamente, penetra la verità dei suoi giorni mai piegata, più che altro furente, e va incontro allo spietato destino di schiava e vittima mentre Troia consuma tra le fiamme la sua dolente epopea.

Le danno voce Alessandra D’Elia e Caterina Spadaro, in equilibrata condivisione con la “rappresentazione in canto” di Caterina Pontrandolfo. Di significativa consistenza la presenza della sezione musicale affidata alla creazione di Enrico Cocco e Angelo Benedetti. Materiali straordinari sottratti a Eschilo e Euripide, ma anche a Licofrone, l’autore che proprio a questa immagine femminile dedicò l’ALESSANDRA “ un poemetto di esuberanza barocca, ricca di colori, dal lessico ricco e molteplice, che non esclude l’osceno, il volgare, il linguaggio da trivio, da bordello…”. Non meno significativi e pregnanti gli spunti raccolti dall’opera di Christa Wolf, e dal generoso contributo di Enzo Moscato, voce tra le più dense e toccanti della drammaturgia contemporanea.

Un aviatore e un bambino si incontrano nel Sahara, dove l’uomo è atterrato col suo aereo in avaria. Tra loro nasce una grande amicizia, che spingerà l’aviatore a chiedere al giovane amico come sia arrivato laggiù. Il bambino misterioso è in realtà il Piccolo Principe. Dopo aver narrato il suo viaggio attraverso pianeti stravaganti dove ha incontrato personaggi bizzarri, il Piccolo Principe scomparirà nello stesso modo in cui è apparso. Un lavoro che si svolge attraverso diverse tecniche teatrali, dal teatro di figura a quello di narrazione, per un risultato di alta poesia performativa.

Due fratellini in un pomeriggio come tanti si ritrovano a non avere più tablet e playstation con cui giocare;
dopo l’ennesimo litigio, infatti, hanno finito per romperli entrambi.
Fortunatamente c’è un’alternativa. Quale?
Abbandonato nella loro cameretta, giace un vecchio libro di favole che i due aprono senza troppe aspettative. Ma ecco che accade la magia e fa il suo ingresso un cantastorie un po’… particolare! I due bambini gli chiedono di raccontare la storia di Pinocchio, della Principessa sul pisello e di Pollicino, ma dopo troppo tempo trascorso rinchiuso in un libro polveroso, il Cantastorie ha la mente leggermente annebbiata. Che pasticci combinerà?
Una storia ricca di fraintendimenti, disguidi e bizzarre storie raccontate come mai prima d’ora!
Riuscirà il Cantastorie a ricordare le favole che hanno fatto sognare grandi e piccini?
Lo scoprirete…..

Due anziane signore, Erminia e Annunziata, cuciono insieme una coperta per il nipotino che sta per nascere. È il tempo dell’attesa e, dalla quotidianità delle loro azioni, si ritroveranno a vivere loro stesse le avventure che augurano al nipotino, in un gioco che le trasporterà dal mondo della realtà a quello della fantasia. Le due nonnine intraprenderanno, così, un viaggio nel profondo del mare per risalire e perdersi nel mondo delle fiabe e poi in quello di una notte buia illuminata solo dalla luce delle lucciole. Seguendo la tradizione del patchwork, che è l’arte del cucire raccontando, le due protagoniste, durante la preparazione della coperta, raccontano storie per lasciarle impresse nella stoffa così che, il loro, non sia solo un regalo materiale al nipotino, ma un augurio per una vita piena di stupore e di meraviglia.
Lo spettacolo si snoda attraverso le varie fasi della giornata (mattina, pomeriggio e sera) e della preparazione della coperta (scelta delle stoffe, taglio e cucito) e ciascuna azione porta le nonne a raccontare una storia fino a che la giornata volge al termine e la coperta è pronta.
Con l’arrivo della notte il mondo della fantasia e della realtà, non saranno più così separati e la coperta, illuminata dalle lucciole, diventerà il simbolo del “Paese delle Meraviglie” che non è poi così lontano dal mondo reale.
Lo spettacolo è stato ispirato dalla poetica di Gianni Rodari e le storie raccontate sono tratte da Alice Cascherina dal libro “Favole al telefono”. Sono favole che puntano lo sguardo sulla curiosità e la spontaneità attraverso la quale i bambini osservano il mondo che li circonda. La vista magica e originale che rivolgono alle cose e agli eventi li porta a cadervi dentro: “a capofitto”, appunto, consentendogli di scoprire ciò che è giusto o sbagliato riconoscendo le sfumature delle emozioni. Le avventure di Alice sono quelle di tutti i bambini, quelle che li conducono sempre un po’ più vicini al mondo e a se stessi, una caduta dopo l’altra.

Un suggestivo intreccio di musiche, racconti animati e giochi di ombre proiettate, narrano la celebre storia di uno dei due grandi poemi epici greci attribuiti all’opera del poeta Omero: l’odissea!
Un’ occasione per avvicinare bambini e bambine ad uno dei testi fondamentali della cultura classica occidentale che narra il viaggio di Odisseo, meglio conosciuto come Ulisse, re di Itaca, il quale dopo aver vinto la guerra di Troia, torna nella sua terra, Itaca, da suo figlio Telemaco e da sua moglie Penelope. In questo viaggio, ricco di personaggi mitici e fantastici, di lotte e di peripezie, ci riconosceremo viaggiatori perpetui noi tutti e tutte. E in fine, scopriremo che è l’amore a guidarci e ad illuminare il nostro cammino per raggiungere la meta.
Nella seconda parte, lo spettacolo prevede il coinvolgimento diretto degli stessi bambini spettatori, i quali vengono chiamati a reinterpretare alcune delle storie messe in scena attraverso una modalità laboratoriale e interattiva guidata dalle stesse attrici professioniste del Teatro Ridotto. 

Fortunato chi si piglia per diritto di famiglia una pingue eredità!…Più felice, più contento,chi coll’opera e col talento ricco e grande si farà”. Si sa che il gatto della fiaba è la povera eredità che un mugnaio lascia a uno dei suoi figli. Una ben misera eredità, si può affermare; ma invece il micio è talmente scaltro e simpatico da far arricchire,“coll’opera e col talento”, il suo padrone e da fargli sposare la figlia del Re…Bellissima soddisfazione quella di ottenere qualcosa grazie ai propri meriti!